• ↓
  • ↑
  • ⇑
 
Записи с темой: ca (список заголовков)
12:22 

Минимализм.
Сол Левитт
В 60-е годы XX века на смену господствовавшему в американском искусстве 50-х абстрактному экспрессионизму и во многом как ответ на него возникает несколько крупных новых течений, существенно изменивших американскую художественную среду: минимализм, поп-арт, концептуализм. Малозаметный в среде абстрактных экспрессионистов, с появлением новых течений Сол Левитт выступает на первый план и обретает известность как минималист и концептуалист.
В начале 1960-х Сол Левитт создает некоторое количество настенных рельефов, называемых им wall structures («настенные структуры»). Эти рельефы, выходящие из плоскости стены в пространство пребывания зрителя, построены на взаимодействии различных геометрических форм: кубов, квадратов, параллелепипедов и включении одной фигуры в другую.

Wall structures – это не живопись и не скульптура, но и то и другое одновременно. Ранние работы были одними из первых экспериментов Сола Левитта по созданию серий, хотя в них еще нельзя уловить той строгой взаимосвязи и последовательности, которая характерна для его последующего творчества.



1964 год знаменателен появлением Standing Open Structure («Стоящей открытой структуры»). Именно с нее начинается отход Левитта от цельных, монолитных произведений к созданию «скелетных» структур, где работа с контуром подталкивает художника отказаться от «наполнения».
С этого времени начинают появляться знаменитые modular structures («модульные структуры») Сола Левитта – трехмерные решетки, построенные на повторении модуля-куба. Большинство этих работ подкрепляется обильными предварительными эскизно-вычислительными материалами, где можно наблюдать детальную математическую проработку формы.


Своими чертами работы середины 60-х еще связаны с минимализмом. В ранних модульных структурах Сола Левитта крайне важна одна из основных установок минимализма – отказ от эмоционального восприятия и интеллектуального осмысления произведения. Как писал один из художников и теоретиков минимализма Фрэнк Стелла, «ты видишь то, что ты видишь», – ничего более. Домысливание здесь не предполагается. Следствие из этого – безраздельное господство формы, чистый формализм. Содержание исключается как нечто лишнее и мешающее работе формы.
Помимо этого, установкам минимализма у Левитта соответствует оперирование первичными структурами и мышление простыми формами. Не менее важна работа с реальным пространством, которое произведение призвано делить со зрителем. Это проявляется, в первую очередь, в отсутствии пьедестала, проводящего границу между искусством и реальностью.

Именно работа с инвариантом впоследствии легла и в основу концептуальных произведений Сола Левитта, базирующихся на идее куба. Именно она повернула развитие творчества художника от минимализма к концептуальному направлению, подготовила переход от одного течения к другому, осуществление которого происходило во второй половине 60-х годов.



Концептуализм


Переходным звеном, своего рода шагом в сторону концептуализма была работа «Serial Project No. 1 (ABCD)» («Серийный проект № 1») 1966 года. В его основе лежала совокупность изменений, вариация различных способов размещения элементов, пошаговое преобразование от двумерного к трехмерному, от квадрата – к кубу, от открытого – к закрытому кубу. Этот проект демонстрирует нам важность осмысления в творчестве Сола Левитта куба как формы. Для художника куб становится важен не как форма, а как идея.


Левитт размышляет над идеей куба, образующей его структурой, особенностями, делающими возможным прослеживание этой формы даже при отсутствии некоторых граней.
Об этом свидетельствуют и манифесты Сола Левитта, написанные в 1967 и 1969 годах, «Параграфы о концептуальном искусстве» и «Высказывания о концептуальном искусстве», в которых он утверждает главенство идеи над формой и дает теоретическое обоснование концептуализма.



Этот отход от минимализма подтверждает и чисто концептуальная акция Левитта 1968 года «Buried Cube Containing an Object of Importance but Little Value» («Зарытый куб, содержащий объект крайне важный, но малой ценности»), в рамках которой он зарыл в земле металлический куб и задокументировал это в серии фотографий, последовательно демонстрирующей этапы осуществления акции.



@темы: CA, usa

12:35 

Паблик Арт
Энтони Гормли

1. Гормли изучает взаимосвязь между личным и общественным в крупномасштабных инсталляциях, таких как Allotment (1997), Domain Field (2003) и Another Place (2005). Художник фокусирует свой взгляд на человеческом теле, исследуя его взаимоотношения с окружающей средой и архитектурой.

2.Ангел Севера (1995/98), одна из наиболее известных работ Гормли, является вехой в современной британской скульптуре









3. Власти британского графства Sefton разрешили скульптору оставить на взморье к северу от Ливерпуля ландшафтный проект Another Place — сто чугунных скульптур высотой в человеческий рост и весом 650 килограммов каждая. Статуи расставлены вдоль прибрежной полосы длиной около трех километров. Местные власти и несколько групп активистов из числа рыболовов, береговой охраны, виндсерферов и орнитологов долго сопротивлялись, но, в конце концов, согласились, обязав автора передвинуть 19 статуй вглубь материка, сообщила газета «The Guardian». С 1997 года проект «Другое место» путешествовал по Европе: Гормли устанавливал свои работы в Бельгии, Норвегии и Германии. В 2005 году он получил разрешение расставить скульптуры вблизи Ливерпуля сроком на 16 месяцев. Далее «чугунное племя» должно было отправиться в Нью-Йорк, но Гормли попросил разрешения оставить статуи на месте, и его идею поддержали несколько художественных фондов: «Другое место» превратило пляжи Кросби в популярную достопримечательность.



4. Waste man — гигантская фигура, созданная из домашнего мусора леом 2006. Около 30 тонн таких предметов как кровати, столы, стулья, сиденья для туалетов, пианино и тому подобное были использованы для этой скульптуры. Шесть недель ушло на создание произведения, которое было сожжено за 32 минуты.



5. Breathing Room - последние из проектов





ссылка: www.antonygormley.com

@темы: современное британское искусство, паблик арт,Энтони Гормли, CA

12:44 

Франческо Клементе,Неаполь
Итальянский Трансавангард




Франческо Клементе - итальянский художник, принадлежащий к так называемому направлению "арте-чиф-ра". Его стиль характеризуется большой площадью и контрастностью изображения. Он применял его для создания зашифрованных, проникнутых атмосферой сновидений картин.


1. Клементе стал известен в 1970-х субъективными, эротическими образами часто изуродованных частей тела, искаженными автопортретами и амбивалентными фигурами, часто изображенными в насыщенных цветах. Участие Клементе в 1980 в Венецианской биеннале привлекло к нему международное внимание. Он быстро стал рассматриваться как один из лидеров "возвращения к фигуративности", названного трансавангардом в Италии (критиком Achille Bonito Oliva) и неоэкспрессионизмом в США.



2. Он использовал метод восковой фрески, известной как cera punica в это время. Во время поездки в 1995 в Mount Abu в Гималаях Клементе писал акварели.





3. В своих работах Клементе обращается к традициям индийского художественного языка, романтическим идеям Уильяма Блейка и итальянской фресковой живописи. Постоянными темами его картин являются рождение и смерть, сексуальность и человеческое тело. Картины часто фрагментарны, различные изобразительные элементы, совершенно никак не связанные, соседствуют друг с другом.


my mothers room

4. В 1984, появилась совместная с Жаном-Мишелем Баскве и Энди Уорхолом работа – картина «Завтрак Альбы», в которой доминирует типичное для Баскве смешение таинственных знаков с отголосками граффити.

5.В 1998 году Франческо Клементе предоставил около 200 работ режиссёру Альфонсо Куарону для фильма “Great Expectations” («Большие Надежды»).


@темы: CA, italia

14:39 

Young British Artists

Молодые британские художники или YBA (также Brit artists and Britart) название, которое дали группе современных художников из Великобритании, большинство из которых учились в Голдсмитском колледже в Лондоне. Название "Молодые британские художники" закрепилось за ними после выставки в галерее Саатчи в 1992 году, которая принесла им славу.
Это поколение молодых радикалов появилось на арт-сцене во многом благодаря знаменитому галеристу и коллекционеру Чарльзу Саатчи.
Они ярчайшие сюрреалисты современности и наследники по прямой Босха и Гойи, Магрита и де Кирика… Их художественный язык провокативен, и он заставляет серьезно думать. Равнодушных, как правило, не бывает.

1.Братья Чемпен работают вместе с начала 1990-х годов, после того как они окончили лондонский Royal College of Art. Еще до “Sensation” критики и публика заметили и оценили их выставку «Бедствия войны», сделанную по мотивам одноименного цикла Франсиско Гойи.
Искусство братьев Чепмен, как и подобает произведениям «молодых британцев», не ведает никаких табу и запретных тем и насыщено предельно черным юмором. Они создают скульптурные группы из сросшихся друг с другом детей-мутантов с фаллосами и анальными отверстиями вместо ртов и носов, причем гротескность образа только усугубляется тем, что за основу для своих персонажей художники берут безлико миловидные детские манекены из витрин, а все обнаженные фигурки обуты в одинаковые аккуратные кроссовки.
Чепмены, являясь коммерчески успешными художниками, разрисовывали банкноты достоинством 50 фунтов, тем самым увеличивая их стоимость чуть ли не до 500.
"Искусство предполагает исследования человеческого опыта и внутреннего мира, - говорит Джейк Чепмен. - Мы просто исследуем то состояние времени, в котором находимся".

2.Д.Херст



Один из самых дорогих из ныне живущих художников и самая заметная фигура группы «Молодые британские художники». Смерть — центральная тема в его работах. Наиболее известная серия художника — Natural History: мертвые животные (такие как акула, овца или корова) в формалине.
Дэмиен Херст стал известен в 1988 году как молодой импресарио экспозиции под названием «Freeze» (в тот момент ненадолго утвердилась мода на названия в одно слово). Местом действия стало пустующее здание в районе лондонского порта, рядом с Темзой. Херст совместно с соучениками из Голдсмит-колледжа, учебного заведения новаторской ориентации, объявил новый вектор развития западноевропейского искусства, коим завершилось «возрождение живописи 80-х» и возрождался интерес к повседневным банальностям, сексуальным инсинуациям, суровым реальностям жизни и смерти.




В 2007 г. работа «Ради любви к Богу» (платиновый череп, инкрустированный бриллиантами) была продана через галерею «White Cube» группе инвесторов за рекордную для ныне здравствующих художников сумму в $ 100 млн.«За любовь Господа» (англ. For the Love of God) или «Бриллиантовый череп Дэмиена Херста» — череп человека сделанный из платины и инкрустированный бриллиантами. Бриллиантовый череп является самым дорогим произведением искусства ныне живущих художников.



В 2009 году Дэмьен Хёрст объявил, что больше не будет делать своих самых знаменитых проектов — чучел животных в формальдегиде. Вместо этого он просто займется живописью. «Звери в формальдегиде больше не шокируют людей, зато их шокирует, когда ты берешь кисть и холст и движешься назад», — пояснил Херст в интервью BBC.



Beautiful Bleeding Wound Over the Materialism of Money Painting, 2005



Soothsayer (Pure) (detail), 2007
Butterflies and household gloss paint on canvas

3.Трейси Эмин



Английская художница, одна из наиболее известных представительниц группы «Молодые британские художники». Множество публикаций в прессе вызвали ее выступление в пьяном виде по телевидению и инсталляция «Моя кровать» (My Bed), выставленная в 1999 году на выставке премии Тернера. Инсталляция представляла собой неубранную грязную кровать, вокруг которой были разбросаны личные вещи, включая окровавленное белье и использованные презервативы.



Моя Кровать





Палатка "Все, с кем я спала"

Укрепление статуса YBA произошло в 1997 году, когда Королевская академия, которая имеет репутацию оплота консерватизма, устроила большую выставку работ Молодых британских художников — Sensation. Фактически это была демонстрация частной коллекции Чарльза Саатчи, которому принадлежало большее число произведений.

@темы: CA, YBA, GB

14:50 

Маурицио Кателлан (Maurizio Cattelan; 21 сентября 1960, Падуя, Италия) — современный итальянский художник, живёт в Нью-Йорке, работает в основном в жанре инсталляции.
Художник-самоучка, не имеет художественного образования.

Маурицио Кателлан разное время работал поваром, садовником, охранником. Начал творческий путь с изготовления мебели для собственной квартиры, назвав её «функциональной мебелью с творческим подтекстом».
Творчество Маурицио Кателлана носит провокационный характер. Он прославился своей работой La Nona ora, 1999 (скульптура изображает Папу римского, упавшего от удара метеорита). Работу купили за 800 тысяч долларов.



Каттелану, правда, уже не 30, а 40, но он до сих пор предпочитает называть своей главной отличительной чертой идиотизм. В прошлом почтальон, уборщик, повар и донор банка спермы, Каттелан, по собственному утверждению, работал для единственной цели – выжить.

Одно из последних представленных публике произведений Каттелана, – инсталляция, установленная на миланской улице, изображавшая трех повешенных на дереве детей, – получило неоднозначную реакцию общественности и пострадало за радикальность: горожанин, не вынесший натуралистичности картины, забрался на дерево и перерезал веревки, на которых висели детские фигурки. Поражение или триумф для Каттелана? – скорее второе, поскольку провокация достигла цели, а испорченное произведение без особенного труда поддастся восстановлению (и грозит обрести новое место экспонирования через пару месяцев уже в Севилье). Судиться с миланцем художник отказался, однако власти города возбудили расследование: если каттелановское творение будет квалифицировано как произведение искусства, то нарушителю грозит штраф.
Менеджер Каттелана Джиони рассматривает случившееся как проявление ограниченности: "Только неспособные принять отличный от их собственного мышления путь люди могут нападать на произведения искусства". Сам же художник излагает более здравую точку зрения, признавая, что подсознательно спровоцировал агрессию. "Сочетание места и произведения должно создавать короткое замыкание. Здесь сыграло роль то обстоятельство, что инсталляция показана в обыденном пространстве. Будь она выставлена в музейном зале, был бы просто успех, без всякой экстремальной реакции".



"Идеи произведений приходят ко мне всегда внезапно, в одну минуту, – говорит Каттелан. – Но сам я ничего не делаю". Транслируя идеи своим помощникам, которые и воплощают их, "я только фильтрую, выбираю, – и это происходит без участия разума. Похоже на процесс пищеварения".




@темы: CA, italia, Каттелан

18:02 

Показы мод в необычных местах


+++смотреть и наслаждаться

@темы: мода, CA

18:10 

Перевернутый Мир


Перевернуть(ся)

@темы: CA, usa

19:21 



МЕРЦ

Мультимедийное искусство, скульптура из «хлама» (джанк-скульптура), поп-арт, ассамблаж, энвайронмент – все эти направления в какой-то мере обязаны своим возникновением Курту Швиттерсу, а Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс, Миммо Ротелла, Асгер Йорн, Джаспер Джонс – его непосредственные преемники. «Курт начинал с того, что, разрывая и разламывая различные предметы на части, создавал из них произведение искусства. А когда на части оказалась разорвана его собственная жизнь, он сделал произведение искусства и из нее».
Причем в противовес современному ему дадаизму, явлению нигилистическому и в принципе не включающему категорию эстетического в свою систему, Швиттерс сочетал "неблагородные" находки, исходя из их формы, фактуры и цвета, то есть компоновал свои произведения по принципам настоящего "высокого" искусства.



Он собирал отбросы, соединяя их в определенные композиции на одной плоскости, чтобы вызвать у зрителя психологический эффект бессмыслицы жизни и тоски. Такие картины получили название «мерц-бильдер». Слово «мerz» по-немецки означает всякий ненужный хлам. Терминология Швиттерса возникла из чистой случайности — в первый подобный коллаж 1919 года вошел отрывок накладной какой-то коммерческой фирмы. Был виден только слог «мерц» («kommerz»), который и стал девизом нового направления. Само изобретенное Швиттерсом сочетание звуков «merz» — это осциллирующий смысловой коллаж из фрагментов немецких слов «коммерция», «боль», «сердце» (kommerz, schmerz, herz). К этому стилю он относил практически любое произведение искусства. На вопрос «Является ли это произведением искусства?» он отвечал вопросом: «А что же им не является?».



Швиттерс создает мерц-рисунки (коллажи), мерц-картины (ассамбляжи) и мерц-скульптуры. С середины 1920-х он издает "Мерц-журнал", главные цели которого состояли в том, чтобы представить теории и критику новых художественных направлений – дадаизма и конструктивизма. Швиттерс выступает по всей Европе на мерц-вечерах с чтением своих стихов и прозы и исполнением музыкальных произведений собственного сочинения. Он создает "Рекламное мерц-агентство" и активно работает в области рекламной графики, провозгласив своим главным принципом: лучше никакой рекламы, чем плохая. В 1927 г. художник, начав всюду подписываться "Мерц", включил в разработанную им художественно-мировоззренческую систему и самого себя. Что же такое "мерц"? Ответ дает сам Швиттерс: "Мерц означает соединение всех мыслимых материалов в художественных целях и одинаковую оценку отдельных материалов с точки зрения художественной техники. Мерц означает создание связей между всеми существующими на свете вещами".



Первая версия «Hannover Merzbau», названная «Собором эротической нищеты», датирована 1927-м годом. Свое оригинальное название проект получил в 1933-м году. Коллега Курта - Джон Элдерфилд подчеркивает, что merzbau был не побочным продуктом забавного и эксцентричного образа жизни, а замечательным и сложным произведением искусства честолюбивого человека. Идея комнаты или целой квартиры, как произведения искусства, была не нова. Голландские архитектурные эксперименты оказали сильное влияние на Курта. Исследование пространства было популярной темой у художников и архитекторов того времени. Однако отправной точкой стала не попытка визуализации абстрактных понятий, а упорядочение существующих предметов. Всякий раз, когда к законченной части проекта добавлялась новая комната, «пробелы» в пространстве заполнялись новым материалом. На заключительных стадиях создания конструкции многое из первоначального содержания было заключено в древесину или в пластырь. В 30-х годах конструкцию пришлось расширять в направлении чердака, балкона и подвала. Однако попытки перестроить дом не предпринимались и не должны были предприниматься. Так что непрерывно расширяющаяся структура была обречена на «смерть» из-за недостатка пространства.


Когда нацисты пришли к власти, а искусство Швиттерса в Германии было объявлено "дегенеративным", он переселился в Норвегию. Там он начал конструировать второе merzbau, но после оккупации немцами Норвегии был вынужден покинуть страну и эмигрировать в Англию. Швиттерс зарабатывал на жизнь портретами и пейзажами, жил замкнуто, практически не участвуя в художественной жизни. В 1947 г. на средства, предоставленные ему Музеем современного искусства в Нью-Йорке, будучи тяжело больным, он предпринимает попытку воссоздания merzbau на територии Лондона. 8 января 1948 художник умер в Эмблсайде, так и не осуществив задуманное.

@темы: CA, dada, немцы

23:22 

СТАКИЗМ (Stuckism) — художественное движение, основанное в 1999 году в Великобритании художниками Билли Чайлдишом (Billy Childish) и Чарли Томсоном (Charles Thomson) для продвижения фигуративной живописи в противовес концептуальному искусству. Стакисты сформировались как группа в качестве альтернативы «Молодым британским художникам». По-началу группа стакистов состояла из тринадцати человек, на сегодняшний день движение насчитывает около 120 членов во всем мире. Чайлдиш покинул группу в 2001 году. Стакисты организовали много выставок, но привлекли больше внимания своими демонстрациями около Галереи Тейт и выпадами против Премии Тернера и Чарльза Саатчи. Первая крупная выставка стакистов прошла в 2004 году во время биеннале в Ливерпуле.
Название «стакизм» было предложено Томсоном как реакция на высказывание художницы Трейси Эмин, адресованное Билли Чайлдишу (ее бойфренду в то время): «Твоя живопись застряла, ты застрял! Застрял! Застрял! Застрял!» (Your paintings are stuck, you are stuck! Stuck! Stuck! Stuck!).
В первом «Манифесте стакистов», написанном Чайлдишом и Томсоном в 1999, большое внимание уделялось значению живописи. «Художник, который не рисует — это не художник» — заявили стакисты.



МАНИФЕСТ
манифест 1999

Против концептуализма, гедонизма и культа эгоизма художника
1 стакизм- поиск подлинного.
Срывая маску показного ума и принимая себя такими, каие мы есть, стакисты самовыражаются без цензуры
2живопись- средство самораскрытия
Она полностью поглощает человека, через действия, чувство, мысль, видение, раскрывая
всё это с сокровенной и неумолимой широтой и тонкостью.
Cтакизм исповедует холистический-цельный подход к искусству. Искусство это встреча сознательного и бессознательного, мысли и чувства, духовного и материального, личного и публичного аспектов.
3Модернизм чудовищная гиперинфляция искусства- один из аспектов изолируется и раздувается до огромных размеров, вытесняя и замещая целое Сие есть полное извращение человеческого опыта и творение эгоцентрической лжи.
4 Прах к праху. Художник не делающий картин- не художник
5.Искусство, которому нужна галерея, чтобы стать искусством, не искусство.
6 стакист делает картины, потому что это дело.
7стакист не гипнотизируется блеском наград, но полностью сердечно вовлечен в процесс живописи. Успех для него проснуться утром и начать писать картину.
8 Долг для художника исследовать свою природу посредством делания картин и показа их публике, обогащая тем общество- разделяя с ним свой опыт как личности и его опыт как общества
9 стакист не професионал а скорее любовник искусства, которые рискует собой, вставая к холсту, а не прячется за готовые формы всех сортов. Любовник, не наследуя за профессионалом, находится на острие эксперимента, свободный от необходимости быть непогрешимым.
прорыв в искусстве совершает тот, кто не боится потерять свой статус. Стакист не боится.
10.Живопись есть тайна. Она создает миры внутри мииров, позволяя говорить открыто тому что по природе сокрыто в нас.
Результат зависит от способа действия.Дохлая овца закрывает вход внутрь,оставляя нас снаружи- на пустыре или в галерее.это искусство рэди мэйда
11Пост модернизм в незрелой попытке стать умным и взрослым в современном искусстве- стал обезьяной, поймав себя в мешок идиотизма.
То что было когда то процессом поиска и размышления всало на протоптанную дорогу банальной коммерческой смекалки. Художник взывает к тому, что живо- во всех аспектах человеческого опыта, смеет выразить мысль первобытной краской и не боится увидеть себя дураком
12против шовинизма брит арта- стакизм выступает международным не движением
13стакизм не движение, и не остановка, не победа и не поражение
14
15эгоистичный художник постоянно борется и жаждет публичного признания , живя в постоянном страхе неудачи.
Стакист умышленно рискует пойти на неудачу, осмеливаясь передавать свои идеи через сферу живописи. Поскольку страх неудачи неизбежно приводит художника-эгоиста к самоотрицанию и ненависти к себе, постольку неудачи стакиста вовлекают его в некий процесс, который ведет его к пониманию тщетности всякой борьбы. Художник не борется-то есть он не отрицает себя-поэтому он обручен с мгновением
16стакист не утруждает себя игрой в анекдоты, шокированием и трюкачеством.
Он не смотрит ни назад ни вперед, но полностью сосредоточен на состоянии бытия человека и провозглашает действие выше сноровки ,реальность выше абстракции, полноту выше пустоты, простодушный смех выше остроумия, живопись выше самодовольства.
17. концептуализм всегда хочет быть сноровистым, долг художника ошибаться
18стакисты против стерильности белых стен галерей, места для выставок- дома и старомодные музеи с диванами, креслами и чаем. Обстановка, в которой искусство переживается, а не только разглядывается, должна быть естественной.
19 Преступления образования. Вместо того, чтобы способствовать развитию способностей каждого,посредством разумного художественного процесса и , таким образом, обогащать общество, система художественных школ стала искусстной бюрократией,чей главный двигатель-деньги.Стакисты призывают к открытой политике поступления в художественные школы, основанной на творческих работах.
Мы также призываем прекратить завоз бездарных студентов из-за рубежа.
Мы также настаиваем, что всякое художественное учебное заведение должно быть доступно для обучения взрослых, и должно предоставлять возможность для достойного отдыха жителям.
Почетные стакисты
Хокусай
Хирошиге
Ван Гог
Эдвард Мунк
Карл Шмидт-Ротлуф
Макс Бекман
Курт Швиттерс

@темы: CA, Грейт Британ

14:15 

AES+F
Ходили вчера в Гараж, а там помимо всем намозолившего уши и глаза Ротко был зал посвященный 100 летию перфоманса и Пир Трихмалиона Аесф. Вначале познакомились с фотографиями, а потом экспозиция привела нас к панорамному видео. впечатляюще,более чем!
Группа AES+F – три художника (Татьяна Арзамасова, Лев Евзович, Евгений Святский) и один фотограф (Владимиром Фридкес) – прославилась на весь мир своими скандальными коллажами – сценами компьютерных боев, где героями выступали дети-модели.
Они, как никто, чувствуют пограничные ситуации в искусстве. Первыми помечают территории, которые казались до них мертвой пустошью, а когда туда устремляются все, выясняется, что уже там побывали AESы и делать там, в сущности, больше нечего. Так было с их пророческим мусульманским проектом, ставшим после 11 сентября абсолютной международной сенсацией. Так было и с грандиозным «Лесным Царем» – многонаселенной фреской-утопией, фреской-возмездием, коллективным портретом нашего будущего, где властвуют юность, жестокость и красота.






Каждый раз художники обрушивают на зрителя такой мощный поток образов, видений, ассоциаций, что очень легко захлебнуться и утонуть. Но если выбираешься на твердую почву замысла, то понимаешь, как точно все сконструировано, как безупречно продумана логика, как совершенен видеоряд, апеллирующий к лучшим произведениям классической живописи.
Столь изысканный замес гламура и жестокости вызвал целую волну философских рассуждений о неминуемом, причем весьма скором наступлении апокалипсиса. Однако художников это не только не остановило, но вдохновило на создание серии новых работ – скульптур детей-воинов. А на Венецианской биеннале группа выступила с завораживающим фильмом на музыку Вагнера, в котором были использованы те самые «детские» коллажи. Одним словом, не будет преувеличением сказать, что «АЕС+Ф» – это новый русский бренд, который уже сейчас не менее узнаваем, чем Малевич или яйца Фаберже.

Для проектов «АЕС+Ф» перекрывали Тайм-сквер, для их выставки закрывали большой зал Царскосельского дворца, крупнейшие модельные агентства мира устраивали серьезные кастинги. Недавно AES`ы покорили Париж, и сейчас они готовы к новой встрече с Москвой.

AES+F – единственное имя в современном российском искусстве, не связанное с русско-советской художественной традицией. К соцреализму и соц-арту, концептуализму и всякому другому российскому арту они не имеют никакого отношения. Сами художники признают влияние Леонардо, Лоуренса, Ницше, Батая и Сун Цзы, пожалуй, еще ранний Дейнека причастен к их творческому генезису. Их искусство масштабно и зрелищно, в нем нет ничего «дневникового» и «коммунального». Этой группе свойственна жесткая постановка философских, экзистенциальных и социальных вопросов, предельная артикуляция художественного концепта, имеющего ярко выраженную профетическую направленность.

Анализируя современный мир, используя мифологию и новейшие технологии, художники эксплуатируют фэшн-фотографию, аdvertising-media, массовую культуру, элементы голливудского кино и классическую эстетику старых мастеров для создания собственного визуального языка, акцентирующего болевые точки глобализованной цивилизации, где виртуальный мир все более вытесняет реальный. Их искусство такое же увесистое, как граната Ф1 в кармане, и столь же удобное, как броневик в конце улицы. Это искусство большого стиля.

Пир Трихмалиона



«Белая» каста – это люди московского истеблишмента в возрасте от 5 до 80 лет. Представители «золотого миллиарда» и гости современного Трималхиона – бизнесмены, светские дивы, богемные персонажи. Все они одеты исключительно в белое. «Черная» каста – слуги Трималхиона – молодые и сексуальные азиаты, африканцы и латиноамериканцы. Горничные, официанты, повара и охранники в традиционных униформах или этнических костюмах. Ролевые игры «Пира Трималхиона» легко узнаваемы и вполне безобидны: массаж, гольф, серфинг и т. п. Но, оказывается, что слуги – здесь не только обслуживающий персонал, но и участники тайных оргий. Им приходится реализовывать любые фантазии «господ» – от гастрономических до эротических и мазохистских. Со стороны это больше всего похоже на балет: движения моделей тягучие, плавные, как в замедленной съемке. Фотоаппарат фиксирует один кадр каждые три секунды.



О том, что в «Пире Трималхиона» – есть элемент социальной сатиры, мне объяснил идеолог группы Лев Евзович:

– В «Сатириконе» Гая Петрония Арбитра лучше всего сохранилась глава о пире Трималхиона. Имя Трималхиона стало символом богатства и роскоши, непомерного гурманства и разнузданных удовольствий. Мы попытались представить нечто подобное в реалиях сегодняшнего дня. Трималхион – бывший раб, вольноотпущенник, нувориш, дающий многодневные пиры в своем дворце, представился нам не как конкретный персонаж, а как собирательный образ роскошного отеля – временного рая, где all inclusive. Фактически это 3D анимация.





Эта завораживающая своим масштабом панорамная видеоинсталляция кардинально отличается от «Лесного Царя» и других громких проектов AES+F. Но, как и в случае с «Исламским проектом», художники, хотя в этот раз и не специально, снова оказались «Свидетелями будущего». Те, кто видел трейлер «Трималхиона», всерьез полагают, что проект не что иное, как рефлексия на тему мирового экономического кризиса. – Роскошь – это язык современных потребителей рая. Кризис в данной ситуации является страхом потерять этот рай. Наш проект об упадке и «потерянном рае». Но он не привязан к экономическому спаду, мы начали наш проект за несколько лет до этого. Тогда люди, которые видели некоторые фото этого проекта, считали, что речь идет о постдекадентском капитализме. Сейчас же люди говорят, что проект затрагивает вопросы кризиса, что проект именно о кризисе. Естественно, что в основе проекта «Пир Трималхиона» лежит не роскошь. Он о мечтах о счастье и о безнадежной попытке достичь хотя бы иллюзии этого счастья. Конечно, «Пир Трималхиона» – это прежде всего социальная сатира. Но говорить о социальном начале можно с большой степенью условности. АЕS+F предоставляют своим зрителям абсолютную свободу восприятия и трактовок. Ведь в панорамном кино все происходит одновременно. Кто-то увидит одно, кто-то – другое. Важно только, чтобы в какой-то момент не закружилась голова.






Islamic Project







Action Half Life















ссылка: www.aes-group.org/

@темы: CA, russia

15:40 

Ванесса Бикрофт


(англ. Vanessa Beecroft, р. 25 апреля 1969, Генуя) — итальянская художница, работает в жанре перформанса, живет и работает в Милане и Нью-Йорке. Известность Ванессе Бикрофт принесли перформансы с использованием практически обнаженных моделей.
В своих работах художница выстраивает многофигурные композиции из женских тел (как правило, обнаженных), в которых за эстетически прекрасными образами скрыто глубокое и провокационное послание.



В центре экспозиции в Art Banking Club представлена фотография «VB47.377.dr.» Ванессы Бикрофт, сделанная во время перформанса на территории Коллекции Пегги Гуггенхайм в Венеции. «VB47.377.dr.» — шестая фотография Ванессы Бикрофт из серии шести принтов, которая несколько лет назад была приобретена на одном из ведущих аукционов современного искусства в коллекцию Банка КИТ Финанс. Фотография запечатлела выразительную и полную скрытого напряжения сцену с участием 20 обезличенных моделей. Изображение ссылается на обезглавленные скульптуры и картины Джорджо Де Кирико и работу «Возвращение Одиссея» (Де Кирико, 1968).

Выставлять в лучших музеях и галереях мира «живые картины» или «живую скульптуру» из обнаженных, полуобнаженных или одетых моделей разного, но чаще всего женского пола, разного, но чаще всего юного возраста Ванесса Бикрофт начала примерно десять лет назад. Называют эти шоу предельно просто: инициалы художницы VB (Vanessa Beecroft) плюс порядковый номер. Концептуальный подход Бикрофт не является по сути ни перформансом, ни документацией, а чем-то между ними, относящимся больше к живописи эпохи Возрождения. Бикрофт устанавливает структуру для участников ее живых перформансов, создавая их собственную эфемерную композицию. В ее ранних работах — спектакль экзистенциальной встречи между моделями и зрителями, их позор и их ожидание. Каждый спектакль делается для конкретного места и часто ссылается на политические, исторические, общественные объединения или на место, где оно проводится.

Выставка в Берлине: Битых три часа сотня дам в возрасте от 18 до 65 лет прогуливалась в прозрачных — стекло и металл — интерьерах мисвандерроевской Neue Galerie. Из одежды — только прозрачные колготки. Телосложение, рост и вес моделей значения не имели, отбирались они по цвету волос. Волосы должны были быть черными, красновато-рыжими и золотисто-желтыми — в честь германского триколора.

Можно, конечно, вспоминать американскую феминистскую арт-группу Guerrilla Girls, в середине 1980-х обвинившую "Метрополитен" в сексизме ("Должна ли женщина раздеться, чтобы попасть в ваш музей?", "Почему в коллекции только 5% художниц, тогда как 85% ню — женские?"), только все это, похоже, мимо кассы. Ванессе Бикрофт, видимо, совершенно наплевать, кто глазеет на ее стрип-шоу, мужчины или женщины. Здесь вообще неясно, кто на кого смотрит — публика на "живые статуи" или они на нее. И неловкость испытываешь не от чужой наготы, не от атмосферы тотального вуайеризма, в которую погружаешься на таких представлениях, а от чего-то другого. От того, что художница обращается со своими моделями так же, как маленькая девочка с куклами Барби: одевает, раздевает, а ведь может сломать и выкинуть. Так что кажется, что Ванесса Бикрофт обнажает не натуру, а избитую аксиому о дегуманизации современного искусства. В котором человека навалом, как в игрушечном магазине, но зачем он нужен — совершенно непонятно.






@темы: CA, italia

15:51 

ДЕ КИРИКО




Джорджо де Кирико получил мировую известность как лидер авангардной "метафизической школы" в живописи. При этом собственное отношение художника к авангарду двоилось - он то признавал его, то категорически отвергал.
Тем не менее, проблема "подделок" актуальна в разговоре о творчестве де Кирико. Дело в том, что он часто копировал собственные работы, продавая их клиентам как подлинники. Все это (вкупе с судебным процессом) породило слух о том, что художник "выдохся". Яростные нападки художника на современную живопись, получившую к тому времени всеобщее признание, лишь укрепляли это мнение.
В начале этого десятилетия художник увлекся театром. Благодаря этому увлечению, он познакомился с русской балериной Раисой Гуревич. В 1924 году они поженились. В том же году театральные дела привели его в Париж. Там де Кирико встретился с представителями только что народившегося сюрреализма, черпавшего творческое вдохновение в сновидениях, в бессознательном. Отец сюрреализма, поэт Андре Бретон, купил целый ряд "метафизических" картин, написанных художником еще до войны, и отзывался о них в восторженных тонах. Сюрреалисты интерпретировали эти вещи в системе образов Фрейда, но при этом не желали видеть, что многие свои образы де Кирико "вылавливал" не из подсознания, а придумывал вполне сознательно. Так или иначе, но на короткое время художник стал образцом и идеологом сюрреалистической живописи. В 1925 году в Париже у де Кирико прошла персональная выставка.

Творчество де Кирико отличается непостоянством. Художник неоднократно менял стиль и технику своего письма. Но одну абсолютную константу у него все-таки можно обнаружить - это те навязчивые образы, что не давали ему покоя всю жизнь.

Де Кирико всю свою жизнь был очарован тайной. Мир обычной логики казался ему лишь покровом, скрывающим от нас истинную реальность. Вся его "метафизическая живопись" есть попытка с помощью метафоры и мечты сорвать этот покров и "выпрыгнуть" в запредельное. Туда, где здравый смысл не диктует нам своих пошлых аксиом, где бал правят меланхолия и таинственность. Один из своих автопортретов он назвал - "Что мне любить помимо тайны ?" Поразительная самохарактеристика. Чтобы повести зрителя за собой, художник в самые обыденные ситуации внес ощущение тревоги, не дающее уже вновь успокоиться в иллюзорном самообмане. Где-то здесь лежит его точка пересечения с сюрреализмом, ошибочно принявшим его за "своего". Он не был "ничьим", идя только своим путем. Если смотреть на дело трезво, то появление "метафизической живописи" было вызвано логикой художественного развития. Она явилась как реакция на футуризм с его слишком навязчивым культом механизированного движения и как предвосхищение сюрреализма с его преклонением перед подсознательным. Но собственно к де Кирико это не имеет ни малейшего отношения. Он просто пытался докопаться до первооснов бытия. И в этом, кажется, преуспел.













ссылка: www.dechirico.org

@темы: CA, italia

15:58 

13:03 

Стюарт Джонсон

Один из наиболее влиятельных скульптуров современной Америки. Снимает слепки с живых людей и делает статуи на заказ. Так, наиболее обеспеченные американцы могут позволить себе "оформиться в бронзе".

На днях неизвестные лица похитили в центре Тернополя «металлическую женщину» — один из элементов скульптурной композиции «Случайная встреча» известного мастера Стюарта Джонсона, национального скульптора США, считающегося гордостью Америки. Дерзкий поступок у ценителей искусства вызвал особое возмущение — художественных работ Джонсона в Европе нет вообще, единичные скульптуры установлены только в Японии да Индии. Замысел подарить Тернополю «Случайную встречу» был воплощен не за один день — неожиданное согласие скульптора, а затем продолжительные усилия посольства США в Украине и Корпуса мира. И пункт назначения этой скульптурной композиции — один из скверов Тернополя, — к сожалению, оказался промежуточным. Две металлические женщины пробыли здесь вместе лишь немногим более года...

@темы: usa, CA

13:15 



Луиза Буржуа
- американский скульптор, живописец и график французского происхождения.




Творчество Луизы Буржуа часто называют энциклопедией современного искусства, так как в нем нашли свое отражение все основные направления искусства двадцатого века — кубизм, футуризм, сюрреализм, конструктивизм и абстракционизм. Ее работы — абстрактные и фигуративные, реалистичные и фантасмагоричные, сделаны в различных манерах и из различных материалов, таких как дерево, мрамор, бронза, гипс, латекс и ткань.

1. Одной из самых значительных работ конца этого периода стала инсталляция Разрушение отца («Destruction of the Father», 1974), представляющая собой похожую на пещеру структуру, в которой похожие на камни фигуры окружают жертвенную плиту, на которой разбросаны части тела (в том числе куски настоящего ягненка, купленные в мясной лавке). Это очень тревожная работа, которая напоминает творчество одного из любимых художников Буржуа, испанца Франсиско Гойи.



2. В 1982 Буржуа написала текст для «Artforum», озаглавленный «Child Abuse» («Жестокое обращение с детьми»), в котором она определила свои художественные концепции почти полностью в рамках детских травм. Иллюстрацией этого периода является мраморная скульптура Femme Maison (1983) — сидящая женская фигура с головой, напоминающей здание. В Femme Maison, созданной в 1994, женская фигура лежит на спине без рук, голова сплавлена с домом, у которого есть маленькая дверь.



В 1980-х творчество Буржуа стало предметом растущего интереса. С одной стороны, различные академические круги приветствовали ее, в связи с экзистенциализмом и феминизмом. С другой стороны, молодые художники интересовались ее жизнью и работой из-за творческой независимости, использования различных стилей, ссылкам к истории искусства и чувствительности к социальным вопросам.
На 1990-е пришелся новый период в творчестве Буржуа — «клетки». Одной из целей художницы было создание самодостаточного энвайронмента, независимого от музейной среды, в который можно войти. Эти конструкции представляют собой своеобразную изоляцию прошлого опыта.


3. Луиза Буржуа создала свой особый символический словарь, в котором личный опыт и фантазии конкретизированы в выразительные образы. Например, использование паука не является признаком арахнофобии (страх пауков), а свидетельствует об обертывающей и терпеливой матери. Таким же образом, швейные иглы не являются агрессивными символами, а используются для обозначения восстановления потерь. Дома изображены не как убежище, а в качестве камеры или клетки, где присутствует опасность потерять себя.


@темы: CA, usa

16:30 

Выставка
zend art






ГЕНДЕР

@темы: CA, russia, выставки

16:33 



Кураторы выставки: Николя Одюро & Елена Яичникова

Выставка
respublica

@темы: CA, france, russia, выставки

01:08 

запретный плод кураторства

В субботу 5 апреля в арт-центре на Пушкинской, 10 в галерее Navicula Artis в Санкт-Петербурге открылась выставка "Реклама наркотиков" одного из самых интересных художников России Григория Ющенко. Сразу после открытия выставка была запрещена и закрыта. Однако причины этого запрета представляются неясными. В своих работах художника, несомненно, изучают образ наркомана, показывая своим творчеством весь ужас этого мира. На картинах изображены, конечно, лица наркоманов, жизнь которых - сплошной кошмар.

наркобезумие в арт пространстве

@темы: CA, выставки

16:13 

«Основная причина, объясняющая незначительную роль живописи в настоящее время, заключается в том, что главные достижения в искусстве – не обязательно нормальные достижения» (Дональд Джадд, 1963).

«Более половины из всего лучшего, что было создано за последние несколько лет, не относится не к живописи, ни к скульптуре» (Дональд Джадд, 1965).


«В моей живописи нет ничего такого, чем обладает скульптура» (Дональд Джадд, 1967).

@темы: (c), CA

12:52 

Когда художник какает на пол, это называется «перформанс», а когда уже накакал, и оно на полу лежит, это называется «инсталляция». А если он при этом пердит, то имеет быть наличие дискурса.



Корни популярности современного искусства лежат чаще всего в его протестности, противоречии традиционному, в радикальности, а также в ниспровержении и выстёбывании как художественных, так и общественных авторитетов, часто и всё чаще — фраппировании быдла. Людям нравится, когда кто-то другой протестует, ну а раз протестуешь художественным способом, да ещё типа нестандартным — значит, у тебя богатый внутренний мир. Так думают люди и делают вывод, что «в этом, как минимум, что-то есть». Особенно характерно для интеллигентского быдла и офисного планктона, который традиционного искусства не знал и не знает, в музей ходил и ходит по обязаловке — в детстве с учителем/ родителем, сейчас — на пару часов за границей, тем более что надо успеть побухать в местной рыгаловке рядом с Лувром, и пошопиться, цигель-цигель.


— Что это за безобразие, что за уроды? Где автор? — Вы что, рисовать не умеете? Мой внук и то лучше рисует. — Вы что — мужики или пидорасы проклятые, как вы можете так писать? Есть у вас совесть? Кто автор?
— Н. С. Хрущев про авангардистов


lurkmore.ru/%D0%A1%D0%BE%D0%B2%D1%80%D0%B5%D0%B...

@темы: CA, (c)

art.inside

главная