• ↓
  • ↑
  • ⇑
 
Записи с темой: usa (список заголовков)
18:34 

Говоря об итальянской молодежи, журнал "Ньюсуик" приводит слова Марио Бертоля, студента Римского университета; "Многие из нас, скептики и агностики, не желают принимать участия в жизни общества. Это потому, что мы перестали верить нашим учителям и старшим, чьи поражения, предательство и даже коварство вызывают у нас чувство стыда".

@темы: (c), italia, usa

17:38 

www.loc.gov/index.html Library of Congress

@темы: ссылки, usa, CA

16:21 

The Velvet Underground (в пер. с англ. — «бархатное подполье») — культовая американская рок-группа 1960-х и 1970-х годов, стоявшая у истоков альтернативной музыки. Название часто сокращают до V.U. или The Velvets. Ключевые участники Velvet Underground — Лу Рид и Джон Кейл, относительно успешно продолжающие сольную карьеру после ухода из группы.
Несмотря на то, что пластинки группы продавались небольшими тиражами, Velvet Underground оказали огромное влияние на судьбу рока во второй половине XX века. Хорошо демонстрирует влияние Velvet Underground известная фраза (которую часто приписывают Брайану Ино) о том, что мало кто покупал пластинки Velvet Underground в то время, когда они выходили, но каждый, кто купил, основал свою собственную группу[1]. Критики соглашаются, что творчество группы стало поворотным моментом в истории рок-музыки[2]. Velvet Underground были одной из первых групп, экспериментировавших в авангардном направлении. Сложный и экспериментальный звук, как и реалистичные тексты Лу Рида, повлиял на развитие панка, нойз-рока и альтернативного рока. Медитативность, тягучесть композиций первого альбома группы повлияла на становление пост-панка. Эксперименты с фидбэком и нойзом на втором альбоме — на нойз-рок, особенно на главную группу нойз-попа Jesus And Mary Chain.


В 1965 году менеджером группы стал знаменитый художник Энди Уорхол, предложивший группе использовать в качестве вокалистки на некоторых песнях свою протеже, певицу немецкого происхождения Нико. Репутация Уорхола помогла группе достигнуть ещё большей известности; более того, именно он помог группе заключить контракт с лейблом Verve Records, формально значась «продюсером», а фактически даровав The Velvet Underground возможность создать тот звук, который будет устраивать их. Благодаря Уорхолу группа также стала участвовать в мультимедиашоу Exploding Plastic Inevitable, в котором использовалась их музыка; шоу включало видео и иллюстрации, сделанные Уорхолом. Несколько месяцев это шоу устраивало свои представления в Нью-Йорке, а потом совершило тур по США и Канаде. Последний раз его инсталляция произошла в мае 1967 года.
В 1966 МакЛайс ненадолго вернулся в группу, и вместе они сыграли несколько концертов (в них не участвовал Рид, поскольку заболел гепатитом); Кейл пел и играл на органе, а Такер перешла на бас-гитару. В частности, во время этих записей группа исполняла джем «Bucker T» (основой для названия стала рок-группа Booker T. & the MG's); позже этот джем был записан под названием «The Gift» для «White Light/White Heat». Некоторые из этих концертов были записаны и изданы на бутлегах, став единственными сохранившимися записями The Velvet Underground с МакЛайсом. МакЛайс хотел вернуться в группу, уже добившуюся без него определённой популярности, однако Рид в итоге помешал этому.
В декабре 1966 Уорхол и Дэвид Далтон создали специальный мультимедиапроект для журнала Aspen[4]. Помимо различных иллюстраций и буклетов, в «комплект» вошёл двухсторонний диск, на одной стороне которого находились записи, связанные с Тимоти Лири, а на другой — запись «Loop», подписанная названием The Velvet Underground. На самом деле «Loop» была записана Кейлом в одиночку и представляла собой запись гитарного фидбэка, чья громкость усиливалась к концу. Эта запись стала своего рода предтечей нойз-альбому Рида «Metal Machine Music», основанному на той же идее, и одной из первых записей, предопределивших нойз и индастриал. Также «Loop» стала первой изданной и доступной для продажи записью The Velvet Underground.


@темы: CA, usa

17:35 

17:04 

13:15 



Луиза Буржуа
- американский скульптор, живописец и график французского происхождения.




Творчество Луизы Буржуа часто называют энциклопедией современного искусства, так как в нем нашли свое отражение все основные направления искусства двадцатого века — кубизм, футуризм, сюрреализм, конструктивизм и абстракционизм. Ее работы — абстрактные и фигуративные, реалистичные и фантасмагоричные, сделаны в различных манерах и из различных материалов, таких как дерево, мрамор, бронза, гипс, латекс и ткань.

1. Одной из самых значительных работ конца этого периода стала инсталляция Разрушение отца («Destruction of the Father», 1974), представляющая собой похожую на пещеру структуру, в которой похожие на камни фигуры окружают жертвенную плиту, на которой разбросаны части тела (в том числе куски настоящего ягненка, купленные в мясной лавке). Это очень тревожная работа, которая напоминает творчество одного из любимых художников Буржуа, испанца Франсиско Гойи.



2. В 1982 Буржуа написала текст для «Artforum», озаглавленный «Child Abuse» («Жестокое обращение с детьми»), в котором она определила свои художественные концепции почти полностью в рамках детских травм. Иллюстрацией этого периода является мраморная скульптура Femme Maison (1983) — сидящая женская фигура с головой, напоминающей здание. В Femme Maison, созданной в 1994, женская фигура лежит на спине без рук, голова сплавлена с домом, у которого есть маленькая дверь.



В 1980-х творчество Буржуа стало предметом растущего интереса. С одной стороны, различные академические круги приветствовали ее, в связи с экзистенциализмом и феминизмом. С другой стороны, молодые художники интересовались ее жизнью и работой из-за творческой независимости, использования различных стилей, ссылкам к истории искусства и чувствительности к социальным вопросам.
На 1990-е пришелся новый период в творчестве Буржуа — «клетки». Одной из целей художницы было создание самодостаточного энвайронмента, независимого от музейной среды, в который можно войти. Эти конструкции представляют собой своеобразную изоляцию прошлого опыта.


3. Луиза Буржуа создала свой особый символический словарь, в котором личный опыт и фантазии конкретизированы в выразительные образы. Например, использование паука не является признаком арахнофобии (страх пауков), а свидетельствует об обертывающей и терпеливой матери. Таким же образом, швейные иглы не являются агрессивными символами, а используются для обозначения восстановления потерь. Дома изображены не как убежище, а в качестве камеры или клетки, где присутствует опасность потерять себя.


@темы: CA, usa

13:03 

Стюарт Джонсон

Один из наиболее влиятельных скульптуров современной Америки. Снимает слепки с живых людей и делает статуи на заказ. Так, наиболее обеспеченные американцы могут позволить себе "оформиться в бронзе".

На днях неизвестные лица похитили в центре Тернополя «металлическую женщину» — один из элементов скульптурной композиции «Случайная встреча» известного мастера Стюарта Джонсона, национального скульптора США, считающегося гордостью Америки. Дерзкий поступок у ценителей искусства вызвал особое возмущение — художественных работ Джонсона в Европе нет вообще, единичные скульптуры установлены только в Японии да Индии. Замысел подарить Тернополю «Случайную встречу» был воплощен не за один день — неожиданное согласие скульптора, а затем продолжительные усилия посольства США в Украине и Корпуса мира. И пункт назначения этой скульптурной композиции — один из скверов Тернополя, — к сожалению, оказался промежуточным. Две металлические женщины пробыли здесь вместе лишь немногим более года...

@темы: usa, CA

18:10 

Перевернутый Мир


Перевернуть(ся)

@темы: CA, usa

12:22 

Минимализм.
Сол Левитт
В 60-е годы XX века на смену господствовавшему в американском искусстве 50-х абстрактному экспрессионизму и во многом как ответ на него возникает несколько крупных новых течений, существенно изменивших американскую художественную среду: минимализм, поп-арт, концептуализм. Малозаметный в среде абстрактных экспрессионистов, с появлением новых течений Сол Левитт выступает на первый план и обретает известность как минималист и концептуалист.
В начале 1960-х Сол Левитт создает некоторое количество настенных рельефов, называемых им wall structures («настенные структуры»). Эти рельефы, выходящие из плоскости стены в пространство пребывания зрителя, построены на взаимодействии различных геометрических форм: кубов, квадратов, параллелепипедов и включении одной фигуры в другую.

Wall structures – это не живопись и не скульптура, но и то и другое одновременно. Ранние работы были одними из первых экспериментов Сола Левитта по созданию серий, хотя в них еще нельзя уловить той строгой взаимосвязи и последовательности, которая характерна для его последующего творчества.



1964 год знаменателен появлением Standing Open Structure («Стоящей открытой структуры»). Именно с нее начинается отход Левитта от цельных, монолитных произведений к созданию «скелетных» структур, где работа с контуром подталкивает художника отказаться от «наполнения».
С этого времени начинают появляться знаменитые modular structures («модульные структуры») Сола Левитта – трехмерные решетки, построенные на повторении модуля-куба. Большинство этих работ подкрепляется обильными предварительными эскизно-вычислительными материалами, где можно наблюдать детальную математическую проработку формы.


Своими чертами работы середины 60-х еще связаны с минимализмом. В ранних модульных структурах Сола Левитта крайне важна одна из основных установок минимализма – отказ от эмоционального восприятия и интеллектуального осмысления произведения. Как писал один из художников и теоретиков минимализма Фрэнк Стелла, «ты видишь то, что ты видишь», – ничего более. Домысливание здесь не предполагается. Следствие из этого – безраздельное господство формы, чистый формализм. Содержание исключается как нечто лишнее и мешающее работе формы.
Помимо этого, установкам минимализма у Левитта соответствует оперирование первичными структурами и мышление простыми формами. Не менее важна работа с реальным пространством, которое произведение призвано делить со зрителем. Это проявляется, в первую очередь, в отсутствии пьедестала, проводящего границу между искусством и реальностью.

Именно работа с инвариантом впоследствии легла и в основу концептуальных произведений Сола Левитта, базирующихся на идее куба. Именно она повернула развитие творчества художника от минимализма к концептуальному направлению, подготовила переход от одного течения к другому, осуществление которого происходило во второй половине 60-х годов.



Концептуализм


Переходным звеном, своего рода шагом в сторону концептуализма была работа «Serial Project No. 1 (ABCD)» («Серийный проект № 1») 1966 года. В его основе лежала совокупность изменений, вариация различных способов размещения элементов, пошаговое преобразование от двумерного к трехмерному, от квадрата – к кубу, от открытого – к закрытому кубу. Этот проект демонстрирует нам важность осмысления в творчестве Сола Левитта куба как формы. Для художника куб становится важен не как форма, а как идея.


Левитт размышляет над идеей куба, образующей его структурой, особенностями, делающими возможным прослеживание этой формы даже при отсутствии некоторых граней.
Об этом свидетельствуют и манифесты Сола Левитта, написанные в 1967 и 1969 годах, «Параграфы о концептуальном искусстве» и «Высказывания о концептуальном искусстве», в которых он утверждает главенство идеи над формой и дает теоретическое обоснование концептуализма.



Этот отход от минимализма подтверждает и чисто концептуальная акция Левитта 1968 года «Buried Cube Containing an Object of Importance but Little Value» («Зарытый куб, содержащий объект крайне важный, но малой ценности»), в рамках которой он зарыл в земле металлический куб и задокументировал это в серии фотографий, последовательно демонстрирующей этапы осуществления акции.



@темы: CA, usa

art.inside

главная