Ознакомьтесь с нашей политикой обработки персональных данных
  • ↓
  • ↑
  • ⇑
 
Записи с темой: ca (список заголовков)
18:02 

НОН-ФИНИТО (от итал. non finito - неоконченное) - художественный прием, основанный на активном образном взаимодействии предметного изображения и беспредметной пустоты (свободной зоны холста или листа, необработанной массы скульптурного материала). Среди классических примеров нон-финито - дальневосточный пейзаж тушью с его туманными далями или ряд произведений Микеланджело (где формы лишь частично "высвобождаются" из каменного блока); прием этот особенно распространен в современном абстрактном искусстве

@темы: CA

12:27 

забавные аналогии

Пина Бауш, так же как и Энди Уорхол, вновь перевернула искусство танца, сделав предметом его самую, казалось бы, заурядную повседневную реальность

Если американский хореограф Мерс Каннингем, как и его соотечественник, художник-абстракционист Джескон Полллок, настойчиво и упорно двигал танец по пути к максимально отрешенной от привычного предметного мира абстракциим

@темы: CA

13:28 

Амбруа́з Волла́р (фр. Ambroise Vollard; 3 июля 1866, Сен-Дени, о.Реюньон — 21 июля 1939, Версаль) — один из самых значительных торговцев произведениями искусства (маршанов) в Париже в к. XIX — нач. XX вв. Он поддерживал как финансово, так и морально большое количество знаменитых и неизвестных художников, включая Сезанна, Майоля, Пикассо, Руо, Гогена и ван Гога. Был известен также как коллекционер и издатель.

Сезанн: одним из самых громких успехов Воллара считается его покупка работ Сезанна. У абсолютно неизвестного художника за гроши он приобрел на корню всю мастерскую (ок. 150 работ). И после этого сделал ему имя.
Гоген: в то время, как художник жил на Таити, удалившись от цивилизации, маршан написал ему и оптом выкупил все сделанные им там работы (захватив, таким образом, практически монополию). А Гоген получил средства для продолжения своей уединенной жизни.
Пикассо: Амбруаз Воллар имел тесные контакты с Пикассо в течение розового и голубого периодов художника, в 1901 г. он устроил его первую выставку. Но кубизм не принял, и разорвал сотрудничество. Художник снова начал работать на Воллара в 1937 г., создав для него графический цикл офортов про Минотавра — т. н. «Сюиту Воллара».
Шагал: дилер поддержал мастера в годы эмиграции, дал ему заказ на иллюстрации Гоголя и Лафонтена. Позже, также для Воллара, он будет иллюстрировать Библию.

@темы: CA, france

12:41 

www.artinfo.com/
rating.artunion.ru/article16.htm статья по арт бизнесу в россии

www.strana-oz.ru/?numid=25&article=1119 коммерция и культура.марат гельман много всяких статей

@темы: CA, ссылки

19:30 

Памятка для тех, кто хочет разбираться в искусстве.

1. Если видишь на картине темный фон и всяческие страдания на лицах - это Тициан
2. Если на картине воттакенные попы и целлюлит даже у мужиков - не сумлевайтесь - это Рубенс
3. Если на картине мужики похожи на волооких кучерявых баб - это Караваджо. Баб он вообще рисовал полтора раза. На следующей картине - женщина - Горгонян Медуза Арутюновна. Почему она похожа на джонидепа- загадка почище улыбки монылизы
4. Если на картине много маленьких людишек - Брейгель
5. Много маленьких людишек + маленькой непонятной фигни - Босх
6. Если к картине можно запросто пририсовать пару толстых амуров и
овечек (или они уже там есть в различной комплектации), не нарушив
композиции - это могут быть:
а) Буше
б) Ватто
7. Красиво, все голые и фигуры как у культуристов после сушки - Микеланджело
8. Видишь балерину - говоришь Дега. Говоришь Дега - видишь балерину
9. Контрастно, резковато и у всех вот такие тощие бородатые лица - Эль Греко
10. Если все, даже тётки, похожи на Путина - это Ван Эйк.
Все.
Пы.Сы.: Моне - пятна, Мане - люди

@темы: CA

20:37 


@темы: CA, ссылки

13:59 

ГЕОРГИЙ КОСТАКИ - ХРАНИТЕЛЬ
РУССКОГО АВАНГАРДА


Костаки отыскивал и сохранял любой материал, имеющий отношение к русскому авангарду – ведь он не ставил себе целью собирать только знаменитые и признанные работы


Георгий Костаки был известным всей Москве собирателем авангардной живописи начала века.
Начало коллекции было положено в 1946 году покупкой картины Ольги Розановой «Зелёная полоса» (1917).
На обороте картины Климента Редько «Восстание» (1925), купленной у вдовы художника Татьяны Фёдоровны Редько, Костаки незадолго до передачи картины Третьяковской галерее написал: «Картина века, самое великое произведение революционной России. Георгий Костаки. Москва, 14 апреля 77 года»
Имя Георгия Костаки неразрывно связано с историей русского авангарда 1910-х - 1930-х годов. Малевич, Кандинский, Шагал, Родченко, Клюн, Попова, Филонов - это лишь несколько из наиболее ярких имен, в реальности же коллекция Костаки, собранная в 40-е - 70-е годы прошлого века, содержала произведения десятков художников, многие из которых иначе были бы забыты. Коллекционер-самоучка, ставший истинным знатоком забытого в Советском Союзе искусства, Костаки положил жизнь на то, чтобы сохранить для России имена ее художников. Коллекция Костаки была настолько огромна по значению и размеру, что когда перед вынужденной эмиграцией 1978 года он подарил большинство работ Третьяковской галерее, оставшейся части хватило на целый музей в Греции.

Но главное - произведения авангарда в те времена не имели цены, поскольку их считали мусором, не видя в них никакой ценности. "Над ним почти смеялись. В это никто не верил, потому что считали, что он собирает мусор, что это никогда не будет признано и оценено, что он занимается просто какой-то чертовщиной", - говорит Алики Костаки.



Уже позднее, в западной прессе неоднократно высказывались упреки коллекционеру за то, что он платил относительно небольшие деньги за искусство, которое сейчас стоит миллионы. Однако не следует забывать, что у администратора канадского посольства не могло быть финансовых возможностей обласканных властями официальных художников, поэтов-песенников и прочих богатых людей, собиравших искусство. Те, кто помнит Костаки, рассказывают о том, как он поддерживал материально молодых художников, родственников ушедших мастеров.
Алики Костаки - дочь собирателя русского авангарда и крупнейшего дарителя Третьяковской галереи Георгия Костаки .




"Он был страстный человек. Что бы он ни делал - рыбу ловил, деревья сажал, он все делал, как сумасшедший. Так же он занялся и авангардом, когда наткнулся на жилу, почти никому неизвестную", - рассказывает Алики.



Сам Костаки говорил в интервью для биографической книги Питера Робертса: "Я сумел собрать эти вещи, которые были потеряны, забыты, выброшены властями, я спас их, и в этом моя заслуга. Но это не значит, что они принадлежат мне или тем, кому я их подарю. Они принадлежат России, они должны принадлежать народу России".

@темы: коллекционер костаки, russia, выставки, PAINt, CA

18:51 

Remodernism

'towards a new spirituality in art'



Through the course of the 20th century Modernism has progressively lost its way, until finally toppling into the pit of Postmodern balderdash. At this appropriate time, The Stuckists, the first Remodernist Art Group, announce the birth of Remodernism.



1. Remodernism takes the original principles of Modernism and reapplies them, highlighting vision as opposed to formalism.

2. Remodernism is inclusive rather than exclusive and welcomes artists who endeavour to know themselves and find themselves through art processes that strive to connect and include, rather than alienate and exclude. Remodernism upholds the spiritual vision of the founding fathers of Modernism and respects their bravery and integrity in facing and depicting the travails of the human soul through a new art that was no longer subservient to a religious or political dogma and which sought to give voice to the gamut of the human psyche.

3. Remodernism discards and replaces Post-Modernism because of its failure to answer or address any important issues of being a human being.

4. Remodernism embodies spiritual depth and meaning and brings to an end an age of scientific materialism, nihilism and spiritual bankruptcy.

5. We don't need more dull, boring, brainless destruction of convention, what we need is not new, but perennial. We need an art that integrates body and soul and recognises enduring and underlying principles which have sustained wisdom and insight throughout humanity's history. This is the proper function of tradition.

6. Modernism has never fulfilled its potential. It is futile to be 'post' something which has not even 'been' properly something in the first place. Remodernism is the rebirth of spiritual art.

7. Spirituality is the journey of the soul on earth. Its first principle is a declaration of intent to face the truth. Truth is what it is, regardless of what we want it to be. Being a spiritual artist means addressing unflinchingly our projections, good and bad, the attractive and the grotesque, our strengths as well as our delusions, in order to know ourselves and thereby our true relationship with others and our connection to the divine.

8. Spiritual art is not about fairyland. It is about taking hold of the rough texture of life. It is about addressing the shadow and making friends with wild dogs. Spirituality is the awareness that everything in life is for a higher purpose.

9. Spiritual art is not religion. Spirituality is humanity's quest to understand itself and finds its symbology through the clarity and integrity of its artists.

10. The making of true art is man's desire to communicate with himself, his fellows and his God. Art that fails to address these issues is not art.

11. It should be noted that technique is dictated by, and only necessary to the extent to which it is commensurate with, the vision of the artist.

12. The Remodernist's job is to bring God back into art but not as God was before. Remodernism is not a religion, but we uphold that it is essential to regain enthusiasm (from the Greek, en theos to be possessed by God).

13. A true art is the visible manifestation, evidence and facilitator of the soul's journey. Spiritual art does not mean the painting of Madonnas or Buddhas. Spiritual art is the painting of things that touch the soul of the artist. Spiritual art does not often look very spiritual, it looks like everything else because spirituality includes everything.

14. Why do we need a new spirituality in art? Because connecting in a meaningful way is what makes people happy. Being understood and understanding each other makes life enjoyable and worth living.

Summary

It is quite clear to anyone of an uncluttered mental disposition that what is now put forward, quite seriously, as art by the ruling elite, is proof that a seemingly rational development of a body of ideas has gone seriously awry. The principles on which Modernism was based are sound, but the conclusions that have now been reached from it are preposterous.

We address this lack of meaning, so that a coherent art can be achieved and this imbalance redressed.

Let there be no doubt, there will be a spiritual renaissance in art because there is nowhere else for art to go. Stuckism's mandate is to initiate that spiritual renaissance now.



Billy Childish

Charles Thomson

1.3.2000

@темы: (c), CA

18:03 

www.scribd.com/
тут можно скачивать статьи по искусству. Хорошая база

@темы: CA, ссылки

17:38 

www.loc.gov/index.html Library of Congress

@темы: ссылки, usa, CA

18:16 

Сериализм

21:55 

статья о вырождении искусства

17:07 

16:47 

Арсенальная выставка (англ. Armory Show), официальное название Международная выставка современного искусства (International Exhibition of Modern Art), — выставка произведений живописи, графики и скульптуры современного искусства, организованная с 17 февраля по 15 марта 1913 года в здании Арсенала (Armory) 69 Нью-Йоркского полка Национальной гвардии, на углу Лексингтон-авеню и 25-й стрит. Позднее выставка была показана также в Бостоне и Чикаго. Эта выставка оказала огромное влияние на развитие американского изобразительного искусства ХХ века.

www.thearmoryshow.com

@темы: CA, выставки, ссылки

16:21 

The Velvet Underground (в пер. с англ. — «бархатное подполье») — культовая американская рок-группа 1960-х и 1970-х годов, стоявшая у истоков альтернативной музыки. Название часто сокращают до V.U. или The Velvets. Ключевые участники Velvet Underground — Лу Рид и Джон Кейл, относительно успешно продолжающие сольную карьеру после ухода из группы.
Несмотря на то, что пластинки группы продавались небольшими тиражами, Velvet Underground оказали огромное влияние на судьбу рока во второй половине XX века. Хорошо демонстрирует влияние Velvet Underground известная фраза (которую часто приписывают Брайану Ино) о том, что мало кто покупал пластинки Velvet Underground в то время, когда они выходили, но каждый, кто купил, основал свою собственную группу[1]. Критики соглашаются, что творчество группы стало поворотным моментом в истории рок-музыки[2]. Velvet Underground были одной из первых групп, экспериментировавших в авангардном направлении. Сложный и экспериментальный звук, как и реалистичные тексты Лу Рида, повлиял на развитие панка, нойз-рока и альтернативного рока. Медитативность, тягучесть композиций первого альбома группы повлияла на становление пост-панка. Эксперименты с фидбэком и нойзом на втором альбоме — на нойз-рок, особенно на главную группу нойз-попа Jesus And Mary Chain.


В 1965 году менеджером группы стал знаменитый художник Энди Уорхол, предложивший группе использовать в качестве вокалистки на некоторых песнях свою протеже, певицу немецкого происхождения Нико. Репутация Уорхола помогла группе достигнуть ещё большей известности; более того, именно он помог группе заключить контракт с лейблом Verve Records, формально значась «продюсером», а фактически даровав The Velvet Underground возможность создать тот звук, который будет устраивать их. Благодаря Уорхолу группа также стала участвовать в мультимедиашоу Exploding Plastic Inevitable, в котором использовалась их музыка; шоу включало видео и иллюстрации, сделанные Уорхолом. Несколько месяцев это шоу устраивало свои представления в Нью-Йорке, а потом совершило тур по США и Канаде. Последний раз его инсталляция произошла в мае 1967 года.
В 1966 МакЛайс ненадолго вернулся в группу, и вместе они сыграли несколько концертов (в них не участвовал Рид, поскольку заболел гепатитом); Кейл пел и играл на органе, а Такер перешла на бас-гитару. В частности, во время этих записей группа исполняла джем «Bucker T» (основой для названия стала рок-группа Booker T. & the MG's); позже этот джем был записан под названием «The Gift» для «White Light/White Heat». Некоторые из этих концертов были записаны и изданы на бутлегах, став единственными сохранившимися записями The Velvet Underground с МакЛайсом. МакЛайс хотел вернуться в группу, уже добившуюся без него определённой популярности, однако Рид в итоге помешал этому.
В декабре 1966 Уорхол и Дэвид Далтон создали специальный мультимедиапроект для журнала Aspen[4]. Помимо различных иллюстраций и буклетов, в «комплект» вошёл двухсторонний диск, на одной стороне которого находились записи, связанные с Тимоти Лири, а на другой — запись «Loop», подписанная названием The Velvet Underground. На самом деле «Loop» была записана Кейлом в одиночку и представляла собой запись гитарного фидбэка, чья громкость усиливалась к концу. Эта запись стала своего рода предтечей нойз-альбому Рида «Metal Machine Music», основанному на той же идее, и одной из первых записей, предопределивших нойз и индастриал. Также «Loop» стала первой изданной и доступной для продажи записью The Velvet Underground.


@темы: CA, usa

16:03 

Природа цифрового капитализма – это маркетология различий, а не иерархия тождеств, точность, а не устойчивость.

"Существует множество невоплощенных вариантов каждого произведения"

@темы: (c), CA

11:32 

17:35 

17:05 


@темы: CA

16:41 

очень хорошая статья о оптико-кинетическом искусстве

В этом контексте вполне правомерно сослаться на метафорически оформленную К.Юнгом мысль о том, что искусство и художник подобны путнику, не способному идти широкой дорогой, а идущему окольным путем, на котором скорее открывается то, что лежит в стороне от большой дороги и еще ожидает своего включения в жизнь.


www.intelros.ru/readroom/yestetika-vchera-segod...

@темы: (c), CA, ссылки

art.inside

главная